Shaun Elay – Ilustradora

En la última edición de StarFans conocimos a una magistral artista del fantástico. Shaun Elay, capaz de crear arte con prácticamente de todo. Pero lo que más nos impresionó fue la “ilustración en negativo” así que decidimos hablar con ella en más profundidad, esto fue lo que nos contó.

Shaun Elay ¿es tu nombre artístico? ¿lo usamos para el articulo?

Sí, Shaun Elay es mi nombre artístico. Es el resultado de combinar el nombre de dos personajes que me gustan muchísimo. El primero Shaun, interpretado por Simon Pegg en la maravillosa película Shaun Of The Dead, que fue una de esas películas que me reconcilió con el cine de “terror”. Y el segundo, Elay viene del personaje Eli, interpretado por Chris Marquette en la película “La Vecina de Al Lado”, sólo que decidí escribirlo tal cual se pronunciaba porque me gustaba más. Son dos personajes que en su día me llamaron mucho la atención y que llegaron a mi vida para quedarse ahí.

Un poco de biografía. Edad, lugar de nacimiento, lugar de residencia…

Actualmente, en 2020, tengo 25 años. Nací en la ciudad costera de Gandia y a día de hoy resido en València capital.

¿Intereses artísticos?

De todos los movimientos artísticos, siempre destaco el barroco, concretamente el tenebrismo, y las vanguardias artísticas, especialmente el dadá y el neo-dadá. Personalmente pienso que son movimientos que tengo siempre muy presentes en mi trabajo artístico actual, centrándome concretamente en el nivel técnico más que en el conceptual en la mayoría de los casos. Trabajando mucho la mancha y la expresividad de la línea.

En cuanto a artistas que me inspiran, quiero destacar a Lora Zombie, Agnes Cecile, Mo Caró y Jamie Hewlett como mis principales referentes, especialmente porque son actuales y siguen creando obra hoy en día.

¿Qué te lleva hasta la ilustración?

Desde que tengo memoria me considero una persona bastante creativa y activa en ese sentido, toda mi vida la recuerdo siempre enlazada al dibujo y las manualidades. Siempre que podía, dibujaba. Estuviera donde estuviera, ya fuera en un bar, sobre el mantel de papel, con un bolígrafo que me daba el camarero, o en clase, en las últimas hojas de una libreta.

 El dibujo y la ilustración siempre han sido una forma de expresión emocional que estaban ahí para aprovecharlas y a día de hoy sigo volcándome en ellas.

Explícame las técnicas que usas para ilustrar. (es algo que me llamo mucho la atención) ¿Cómo llegas a encontrar tantas formas de pintar? ¿Te inspiras en otros artistas, lo haces a prueba de ensayo y error?

En cuanto a método tradicional, mi marca personal es la técnica mixta, donde combino varias técnicas como pueden serlo la acuarela, el gouache, el acrílico y los lápices de colores, pasando también por las tintas e incluso los pasteles en algunos casos concretos.

Y si nos centramos en las técnicas experimentales, suelo pintar con todo aquello que mancha (o decolora, como la lejía), o quema (como el fuego). Soy una persona bastante desastre que se mancha mucho y al final he terminado utilizando esos “accidentes” como pistas que me daba a mí misma, en plan “ey, quizá con esto se pueda pintar”. Y poco a poco ves que se te abre un mundo, con nuevas texturas que, además, tiene su parte emocionante porque “nunca sabes cómo va a terminar la obra”, así que el ensayo y error suele ser constante.

Por ejemplo, recuerdo pintar con vino y las primeras capas quedaron rojísimas hasta que se fue secando y el color cambió de un rojo a un tono morado y, finalmente, verdoso.

La idea reside en oscilar entre aquello que controlas y no controlas al mismo tiempo. Como cuando se pinta con azafrán, con moras (que el color inicial cambia mucho del color final), con café, lejía o fuego…

¿Qué es la ilustración en negativo?

La ilustración en negativo consiste en ilustrar invirtiendo los colores. Es decir, usando su “negativo”, su “contrario” en el círculo cromático (no tiene nada que ver con los colores complementarios)

Anteriormente he mencionado el tenebrismo y es que el negativo bebe un poco de ésta técnica. El tenebrismo consistía en hacer aparecer las figuras de la oscuridad, haciendo primero una imprimación en negro sobre el lienzo o soporte, y más adelante, añadir las sombras mediante capas de pintura, utilizando más carga de pintura en las zonas de luz y menos en las zonas de sombra.

El negativo es un poco parecido sólo que “no se ve al instante”, sino que se necesitará a posterior una aplicación en negativo capaz de invertir los colores para que se vea el resultado final.

 ¿Por qué ilustrar género fantástico?

El género fantástico es un género que, personalmente, le veo una amplia gama de posibilidades en las que puedo moverme.

Pienso que es interesante, para la gente de mi generación y de generaciones anteriores, que haya un enlace que mantenga todavía latente los orígenes de lo que tenemos hoy en día para poder comprenderlo mejor. Es una forma de enlazar el antes y el ahora, ilustrando cosas actuales y cosas más antiguas. Así la gente de antes conoce lo que hay en la actualidad, y la gente de ahora conoce lo que había anteriormente a lo que conocemos.

Es como construir un puente entre varias generaciones.

Tienes prácticamente todo el repertorio de personajes fantásticos en tu catálogo, es fácil quedar bien con todos. Así que tírate a la piscina y dime cuáles son tus favoritos.

Indiscutiblemente, mi personaje favorito del género fantástico es y será por siempre nuestro queridísimo rey de los Goblins, Jareth, interpretado por David Bowie.

Dentro del Laberinto es una de mis películas fantásticas favoritas.

¿Cómo es el proceso creativo? ¿Surge la idea? ¿Ilustras según los gustos de moda? ¿O tiene que ser lo que tienes ganas en cada momento?

El proceso creativo es un proceso bastante complicado, pero si algo me ha enseñado la universidad es a saber dibujar hasta cuando no tienes ganas (algo bueno debían de tener las épocas de entregas en las que sólo duermes siete horas semanales) así que es algo con lo que siempre se vive.

Escoger un tema no es algo demasiado complicado debido a la cantidad de referencias que hay y que todavía no he podido plasmar. Siempre hay alguien en algún evento o exposición preguntando si “he ilustrado algo de X película”.

Y, respecto a ilustrar según la moda o según lo que se tienen ganas, las modas son pasajeras y basarse en las ganas es un error porque el día que no se tienen, se anda con la pata coja, así que lo mejor es reinventarse constantemente.

Que parte del proceso creativo te satisface más. La idea, la creación, o el resultado.

Al padecer ansiedad generalizada, soy una persona que tiene que hacer grandes esfuerzos por no centrarse única y exclusivamente en el resultado. Es muy común que empiece una ilustración y, aun sabiendo que las primeras manchas no son las definitivas y todavía queda mucho por hacer, me agobio con facilidad porque “necesito resultados ya”.

Satisfacer, quizá, no sea la palabra correcta para mí, sino más bien “cual me parece más llevadera” y en mi caso es cuando el trabajo está a medias. Cuando ya se ve un resultado, pero todavía no está terminado del todo.

Un compañero creativo me explico una vez que toda obra terminada no es más que un acuerdo entre la idea que tenías y el proceso creativo. ¿Lo compartes o estas satisfecha con los resultados que obtienes?

Casi toda mi obra se basa mucho en el azar, como buena admiradora del dadaísmo y neo-dadaísmo, así que el término “la idea que tenía” es siempre un concepto muy abstracto al que no puedo aspirar mucho, porque nunca hay un resultado fijo al que aferrarse y al que llegar como objetivo. Y esto, lejos de reforzarme la ansiedad, me alivia porque hay un margen en el que todo es posible.

Se va a ciegas, pero tanteando con la mano y caminando despacito.

¿Como ve la gente desde fuera tu trabajo, lo entiende, lo rechaza, le es indiferente?

Ahora mismo he conseguido consolidar un entorno que es bastante sano y entiende mi trabajo y, por suerte, desde fuera de mi entorno también he encontrado a gente que le llama la atención y lo entiende. A nivel general la gente lo acepta bastante bien, pero también he encontrado gente que sigue creyendo que “estoy esperando a que me salga un trabajo de verdad­

¿Cómo ves el futuro de ilustrar profesionalmente género fantástico? ¿se puede llegar a vivir de ello?

En España sigue siendo un poco complicado, especialmente cuando todavía tu nombre no es “muy grande”, como que esperan que primero se triunfe fuera para que apuesten por ti. Por suerte hay un montón de eventos que apoyan mucho la ilustración y el fantástico y ayudan a que artistas emergentes se den a conocer. Por eso hay que apoyar a los eventos, especialmente cuando son “pequeños”, porque son los que están apostando fuerte por artistas locales y “desconocidos”.

Si está empezando a haber un cambio, respecto al apoyo que se da al arte, debería apoyarse, especialmente por el público. Y solicitarlo más cada vez.

Es cierto que hay un repunte en este sector, novelas, comic, cine, pero la ilustración sigue siendo la hermana pequeña. ¿Estás de acuerdo, piensas otra cosa?

 Pienso que la ilustración está considerablemente maltratada si la comparamos con otras disciplinas. Por ejemplo, en eventos como las Comic Cons, una parte del público va motivada por los posibles actores que puedan traer, gente que luego no suele asistir a festivales de cine.

También el público sigue prefiriendo invertir en merchandising, que puede encontrarse en las tiendas de cómics que pueda haber en tu ciudad, mientras pasan de largo por las zonas de Artista Alley o de artistas invitados, que no son tan fácilmente localizables una vez termina el evento.

Carlos Acedo.

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